Si vous suivez mon travail, vous saurez que je travaille avec la David Shepherd Wildlife Foundation (DSWF) et leur concours d’artiste animalier de l’année depuis un certain temps maintenant. Par-dessus tout, je partage leur philosophie d’artistes qui redonnent à la faune qui inspire notre travail et nous fait avancer.

Après avoir été présélectionné chaque année depuis sa création, avoir remporté des catégories plus d’une fois et avoir été couronné Artiste animalier de l’année en 2015, ce concours occupe une place importante dans mon calendrier. Chaque année, je suis enthousiasmé et inspiré par la gamme et la qualité du travail proposé. Chaque nouvelle exposition apporte un regard neuf sur l’art animalier. C’est une exposition à laquelle je suis toujours ravie de participer.

Cette année, j’ai été inspiré pour sculpter cinq louveteaux hurlant. Le hurlement du loup est une affaire sérieuse et je le trouve absolument captivant. Les animaux sont assis en groupe, les oreilles en arrière, les lèvres pincées, perdus dans une profonde concentration. Même sans l’entendre, vous pouvez sentir le hurlement émanant du plus profond de ces magnifiques animaux. J’ai demandé à mes fidèles abonnés sur les réseaux sociaux de trouver un titre et ils n’ont pas déçu. Mes principales suggestions étaient : Howling in the Wind, Moonlight Serenade, Moon Quintet, Lupus Lament et A Low Moon Rising.

Mais j’ai finalement opté pour Appel de la nature car je sentais que cela capturait complètement le sentiment derrière la pièce. Chaque chiot est un individu dont certains hurlent avec plus d’assurance que d’autres. Leurs bouches sont posées à différents moments du hurlement, même leurs langues créent des formes différentes. Voyez comment leurs yeux sont pincés par la concentration.

Le hurlement du loup est profondément ancré dans le mythe et la culture humaine. Sa complainte obsédante touche une peur primitive qui nous a été transmise par nos ancêtres qui partageaient autrefois des forêts anciennes avec ces bêtes redoutables. La symbolique rituelle n’est pas moins significative pour les loups eux-mêmes. Le hurlement favorise le lien et l’unité, annonce leur présence et définit leur territoire. Les chiots apprennent à hurler dès l’âge de quelques semaines. C’est une réponse instinctive pour eux. Une initiation à la meute. Aujourd’hui, bien sûr, nous n’avons rien à craindre des loups. C’est nous qui les menaçons. Par la pression démographique, la perte d’habitat et l’ignorance. En tant qu’artiste, je m’efforce de promouvoir la prise de conscience et la compréhension de mes sujets. Appel de la nature célèbre le rituel du hurlement du loup, la grâce et la dignité de ces magnifiques animaux, et le lien culturel profond que nous partageons avec eux.

Cette année, l’exposition DSWF Wildlife Artist of the Year se tiendra virtuellement en ligne avec l’ensemble des 156 œuvres disponibles à voir et à acheter en ligne du 1er septembre au 2 octobre 2022. Vous pouvez regarder la cérémonie en direct, vous inscrire à l’événement et profiter de la soirée tout à fait gratuitement. Toutes les oeuvres de l’exposition seront disponibles à l’achat au Boutique en ligne DSWF à partir du 1er septembre 2022. Vous pouvez également votez pour le prix du public.

Maison EA ! / Sebastian Arquitectos

Il n’y a rien qui brouille la frontière entre effrayant et fascinant tout comme l’intelligence artificielle.

Et comme l’intelligence artificielle et la musique électronique deviennent de jour en jour plus symbiotiques, le personnel de EDM.com voulait voir jusqu’où cela pouvait aller visuellement. Nous avons donc proposé des descriptions bizarres d’artistes et les avons alimentés via des générateurs d’art IA.

Certaines images sont photoréalistes. D’autres sont fantaisistes déformés. Et la majorité d’entre eux sont carrément effrayants.

Mais on s’égare. Lisez la suite pour voir nos créations étranges et merveilleuses.

À l’été 2022, j’ai participé à un festival de la faune au cœur du cercle polaire arctique. C’était l’expérience d’une vie. Vous pouvez toujours me rejoindre en 2024 pour des ateliers art safari en Zambie et en Tanzanie.

Beaucoup d’entre vous savent que j’organise régulièrement des ateliers Art Safari avec Wildlife Worldwide Wildlife Holidays. Mes ateliers de safari en Afrique combinent des safaris tôt le matin et le soir avec des démonstrations de sculptures d’animaux et des cours, ce qui, à ma connaissance, est unique dans l’industrie.

Je suis toujours étonné des progrès que mes élèves sont capables de faire lorsqu’ils sont immergés dans leur art pendant une semaine complète. Non seulement je suis en mesure de leur donner une formation approfondie sur les bases de la sculpture animalière, mais je suis en mesure de les initier aux compétences essentielles de l’observation de la faune. La capacité d’observer, d’interpréter et d’enregistrer le comportement des animaux dans la nature est essentielle pour tout artiste animalier en herbe. Il se trouve également que c’est l’une des expériences les plus profondément émouvantes pour tout passionné du monde naturel.

Pour beaucoup de gens, un voyage comme celui-ci est l’expérience d’une vie. Et rien de plus que le Festival of Wildlife que mon agence de voyage, Wildlife Worldwide, organise depuis 2004. Conçu comme une célébration de la faune, le Festival of Wildlife combine une variété d’activités d’observation de la faune avec des présentations, des démonstrations et des cours de certains des les plus grands experts mondiaux de la faune, photographes et artistes.

J’ai eu la chance d’être invité à rejoindre le Festival of Wildlife 2022 à Svalbard en tant qu’artiste vedette. Svalbard, situé profondément à l’intérieur du cercle polaire arctique, est un archipel d’îles regorgeant d’animaux sauvages, notamment d’ours polaires, de morses, de phoques, de rennes et de nombreuses espèces d’oiseaux. Nous avons profité de chaque occasion pour observer ces animaux de près, entreprenant des lancements quotidiens dans de petites embarcations en zodiac et touchant terre chaque fois que les conditions le permettaient.

L’expérience de voir une ourse polaire traverser une langue de terre rocheuse avant de plonger sans crainte dans les eaux glaciales de l’Arctique est une expérience que je n’oublierai jamais. Le lendemain, nous avons pu suivre les progrès d’un renard arctique alors qu’il chassait ses œufs au milieu des colonies d’oiseaux massives qui habitent les spectaculaires falaises qui dominent les eaux arctiques.

Entre les excursions, j’ai animé des ateliers de sculpture animalière, initiant plus de trente étudiants à l’art de la sculpture animalière. Dans la soirée, j’ai fait une grande présentation et démonstration d’une sculpture d’ours polaire. J’ai terminé cette sculpture au cours des soirées suivantes, et elle a été vendue aux enchères à la fin de la semaine pour collecter des fonds pour des projets de conservation de la nature dans la région.

J’ai énormément apprécié mon séjour à Svalbard et j’ai hâte de retourner en Zambie en 2022 et 2024 pour diriger d’autres ateliers Art Safari. Je vais aussi rejoindre le prochain Festival de la faune en 2024 dans les plaines riches en faune de la Tanzanie. Suivez les liens de cet article ou contactez-moi à tout moment pour plus d’informations sur mes ateliers de sculpture animalière, à l’étranger et ici au Royaume-Uni.

Discutons des couleurs primaires en ce qui concerne l’art, ou plus précisément la peinture. Ce sont les premières couleurs que vous découvrirez dans l’art. Même ma fille d’un an, Elora, a été initiée aux couleurs primaires à travers ses spectacles pour enfants et à la garderie. C’est peut-être parce que nous avons découvert les couleurs primaires si tôt dans la vie que beaucoup d’entre nous les tiennent pour acquises. Mais ne vous y trompez pas, les couleurs primaires sont au cœur de la théorie des couleurs et du mélange. Il est essentiel que vous compreniez vraiment ce qu’ils signifient et comment les utiliser efficacement si vous voulez bien peindre.

Je couvrirai :

Quelles sont les couleurs primaires

Les couleurs primaires sont rouge, jauneet bleu. Ces couleurs sont, en théorie, capables de mélanger toutes les autres couleurs du spectre visible. Ils ne peuvent pas non plus être créés en mélangeant d’autres couleurs. Vous les trouverez régulièrement espacés autour de la roue chromatique, formant une relation triangulaire.

En pratique, cependant, la couleur n’est pas si simple. Il existe de nombreux rouges, jaunes et bleus différents à notre disposition. Rouge de cadmium, rouge d’alizarine, rouge spectral, rouge cramoisi, etc. Chaque couleur a une position différente sur la roue chromatique. Lesquelles de ces couleurs sont les vraies couleurs primaires ? La réponse serait les peintures qui représentent les formes les plus pures et les plus saturées de rouge, de jaune et de bleu. Le rouge de cadmium, le jaune de cadmium et le bleu de cobalt seraient de bons choix. C’est ce que j’utilise comme couleurs primaires sur ma palette. Ils sont vifs et relativement purs par rapport aux autres peintures. Mais il convient de noter qu’elles ne sont pas des couleurs primaires parfaites dans la mesure où elles ne répondent pas à la définition de pouvoir mélanger toutes les autres couleurs du spectre visible. Vous auriez du mal à mélanger un bon violet ou un bon vert avec ces couleurs.

Une meilleure représentation des vraies couleurs primaires serait le jaune (disons la lumière jaune cadmium), le cyan et le magenta. Avec ces couleurs, vous pourrez mélanger une gamme de couleurs beaucoup plus large. La Site Web de l’empreinte de la main a des informations détaillées à ce sujet si vous voulez aller plus loin.

Les raisons pour lesquelles j’adopte toujours le rouge, le jaune et le bleu comme couleurs primaires, malgré leurs limites évidentes pour ce rôle, sont la simplicité et la cohérence avec les autres enseignements artistiques.

Il est important de se rappeler que la théorie des couleurs n’est pas une science parfaite dans l’art. Il y a beaucoup trop de variables pour qu’il soit traité comme ça. Nos peintures varient en termes de marque, de lot, d’âge, d’état, etc. Il suffit de regarder la différence entre le jaune de cadmium de Winsor et Newton et le jaune de cadmium d’Art Spectrum :

L’aspect le plus important de la couleur est la façon dont vous l’utilisez dans votre travail. Peu importe comment vous y êtes arrivé. Parfois, cela signifie simplifier la théorie en une forme plus pratique. C’est ce qu’est la théorie des couleurs dans l’art. Ce n’est pas toujours scientifiquement correct, mais ça fait l’affaire.

Mélange de couleurs primaires

Quand tu mélanges deux couleurs primaires ensemble, vous obtenez une couleur secondaire. Rouge et jaune = orange. Jaune et bleu = vert. Rouge et bleu = violet. Ici, vous pouvez voir les défauts du rouge de cadmium, du jaune de cadmium et du bleu de cobalt comme couleurs primaires. Ils se débrouillent bien avec l’orange, mais pas tellement avec le vert et le violet. Le mieux que je pouvais faire pour le violet était un rouge froid et terne.

Quand tu mélanges les trois couleurs primaires ensemble, vous obtenez une variation de gris ou de boue.

Lorsque vous ajouter du blanc à une couleur primaire, sa valeur devient plus claire. Il devient également plus froid en température et plus faible en saturation.

Lorsque vous ajouter du noir à une couleur primaire, sa valeur devient plus foncée. Il devient également plus faible en saturation.

Lorsque vous ajouter du gris à une couleur primaire, elle s’affaiblit en saturation. Il deviendra également plus clair ou plus foncé dans la direction du gris.

Lorsque vous mélangez un couleur primaire avec son couleur complémentaire, vous affaiblissez la couleur en saturation. Il deviendra également plus clair ou plus foncé dans le sens de la complémentaire. Dans les bonnes proportions, le mélange de deux couleurs complémentaires devrait créer du gris.

Couleurs primaires chaudes et froides

En peinture, il existe des variations chaudes et froides des couleurs primaires. Ces définitions reposent sur le positionnement de la couleur sur la roue chromatique. Une couleur primaire qui penche vers une couleur chaude est considérée comme chaude et une qui penche vers une couleur froide est considérée comme froide. Et gardez à l’esprit que j’utilise le terme “couleur primaire” de manière vague. Ci-dessous quelques exemples :

Bleu manganèse – froid (tend vers le jaune sur la roue chromatique)

Bleu outremer – chaud (tend vers le rouge sur la roue chromatique)

Jaune de cadmium profond – chaud (tend vers le rouge sur la roue chromatique)

Citron cadmium – frais (se penche vers le bleu sur la roue chromatique)

Écarlate de cadmium – chaud (se penche vers le jaune sur la roue chromatique)

Alizarine pourpre – cool (se penche vers le bleu sur la roue chromatique)

C’est une connaissance importante pour mélanger des couleurs secondaires vives (orange, vert et violet). Pour mélanger des couleurs secondaires vives, vous devez combiner des couleurs primaires qui penchent les unes vers les autres sur la roue chromatique et ne contiennent pas de traces d’une troisième primaire. N’oubliez pas que lorsque vous mélangez les trois couleurs primaires ensemble, vous obtenez de la boue.

Dans l’image ci-dessous, les deux bleus de haut en bas sont le bleu cobalt et le bleu manganèse. Les jaunes de gauche à droite sont le jaune de cadmium chez Winsor et Newton, le jaune de cadmium chez Art Spectrum et le jaune de cadmium clair. Je fais référence aux marques des deux premières peintures jaunes car elles semblent différer considérablement en température; le jaune Winsor et Newton est beaucoup plus chaud. Remarquez comment le bleu cobalt produit des verts ternes. L’appariement le plus vif était le bleu manganèse avec la lumière jaune cadmium, bien que l’image ait mal réussi à capturer cela. Le jaune de cadmium dans Art Spectrum avec le bleu de manganèse était juste derrière. (J’ai déjà fait cette expérience en utilisant plus de bleus et de jaunes. Vous pouvez en savoir plus ici.)

Fechin sur les couleurs primaires

Nicolai Fechin, un véritable artiste d’artiste, a eu quelques mots sages sur les couleurs primaires :

« En fait, un artiste n’a affaire qu’à trois couleurs de base : le rouge, le bleu, le jaune (tout le reste est une combinaison de ces couleurs fondamentales). Tout le monde le sait, mais peu y prêtent attention. Ainsi la première étape pour l’artiste d’apprendre à voir ces couleurs primaires et à les distinguer séparément les unes des autres. (La source)

« Pour éviter des résultats flous, il est nécessaire d’apprendre à utiliser les trois couleurs de base et à les appliquer, couche après couche, de manière à ce que la couleur sous-jacente transparaisse à l’application suivante. Par exemple, on peut utiliser de la peinture bleue, appliquer dessus du rouge de manière à ce que le bleu et le rouge soient vus simultanément et produisent ainsi l’impression d’une vibration violette. Si, de la même manière prudente, on met sur sa première combinaison une couleur jaune, une harmonisation complète est atteinte – les couleurs ne sont pas mélangées, mais construites les unes sur les autres, conservant toute l’intensité de leurs vibrations. (La source)

Couleurs primaires de la lumière

Les couleurs primaires de la lumière sont différentes de celle de nos peintures. Elles sont rouge, bleuet vert. Il s’agit d’un domaine complexe qui nécessite un poste distinct. Je vous tiendrai au courant dès qu’il sera publié.

Vous voulez en savoir plus ?

Vous pourriez être intéressé par mon cours de l’Académie de peinture. Je vais vous guider à travers les fondamentaux éprouvés de la peinture. Il est parfait pour les peintres débutants à intermédiaires.

Merci d’avoir lu!

Je vous remercie d’avoir pris le temps de lire ce message et j’espère que vous l’avez trouvé utile. N’hésitez pas à le partager avec vos amis.

Bonne peinture !

Dan Scott

Académie de peinture de dessin

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(Mes articles “Sur le chevalet” vous donnent un aperçu des coulisses de ce sur quoi je travaille, de ce qui s’est bien passé, de ce qui s’est mal passé et des choses que j’apprends.)

Voyons comment j’ai peint Maryvale, Vaches. C’est l’une de mes peintures préférées de cette année.

Photo de référence

Ci-dessous, la photo de référence à partir de laquelle j’ai peint. N’hésitez pas à le peindre vous-même. Voici un lien vers l’image en taille réelle.

Détails

• Huile sur Panneau gesso ambré,18 x 24 pouces.
• Couleurs principales : bleu outremer, bleu cobalt, rouge cadmium, cramoisi alizarine, jaune cadmium, jaune cadmium clair, vert viridien et blanc de titane.

Reportez-vous à ma liste de fournitures pour plus de détails sur ce que j’utilise.

Notes et leçons apprises

• Le tableau comporte deux segments distincts : les vaches et le paysage. J’ai utilisé une approche différente pour chaque segment. Pour les vaches, j’ai été plus attentif à mon rendu et j’ai porté une attention particulière à la forme, la structure, l’anatomie et les contours. Pour le paysage, j’étais plus concentré sur l’ambiance, la couleur et la texture.

• L’un des principaux défis consistait à ajuster les pièces. Les vaches devaient apparaître distinctes et réalistes tout en ne faisant qu’un avec le paysage environnant.
• La peinture suit un schéma de couleurs analogue. C’est-à-dire qu’il présente des couleurs étroitement liées – vert, jaune, bleu et de nombreuses variations de tons entre les deux. Cette palette de couleurs semble apaisante et paisible lorsqu’elle fonctionne.
• Je fais encadrer ce tableau et quelques autres. Je vous ferai savoir comment ça se passe.

Plans de progression

Coups de détail

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Dan Scott

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J’ai récemment terminé une sculpture d’un magnifique harfang des neiges. La pièce a été commandée par un client existant comme cadeau d’anniversaire pour son partenaire, un photographe animalier canadien. L’un de ses sujets de prédilection est le harfang des neiges. J’ai utilisé ses photos personnelles, entre autres références, pour la sculpture du harfang des neiges.

Je sculpte rarement des oiseaux, et généralement uniquement sur commande, car malgré leur petite taille ils demandent de nombreuses heures de travail. La plupart des oiseaux que j’ai sculptés ont été des trophées spécialement commandés pour le concours BBC Wildlife Photographer of the Year.

Nous avons opté pour une chouette perchée regardant par-dessus son épaule. Nous avons senti que cela créait une pose très dynamique qui exploitait pleinement la présence tridimensionnelle de la sculpture dans la pièce, ce qui est toujours quelque chose que je trouve très puissant. Cet angle fonctionnait également bien avec le socle, pour lequel j’ai utilisé une cale d’ardoise locale.

Les sculptures d’oiseaux nécessitent une approche sensible et des détails très fins. Cette sculpture de harfang des neiges ne faisait pas exception. J’ai dû modéliser soigneusement chaque plume de queue et de vol, que j’ai combinée avec un plumage plus nuancé pour la tête et le corps. J’ai utilisé un glacis mat en dehors des yeux jaune vif brillants.

La sculpture principale est faite de ma porcelaine fortifiée habituelle mais les serres, étant si délicates, sont modelées en métal. Comme pour toutes mes commandes de sculptures d’animaux, j’ai envoyé des mises à jour régulières de photos à mon client. En plus de les tenir à jour, cela offre une contribution unique au processus de création.

Le snowy est arrivé sain et sauf mercredi et nous sommes tous les deux en admiration devant elle. Le détail est incroyable, en particulier sur les ailes. Merci beaucoup pour cette pièce incroyable et tout le travail acharné qui y a été consacré.

En travaillant sur cette sculpture de harfang des neiges en début de soirée, mes chouettes hulottes locales ont commencé à hululer. J’ai réussi à le capturer en vidéo et à le partager avec mon client. À un moment donné, les hiboux hululaient si fort, je pense qu’ils devaient être perchés juste à l’extérieur de mon studio. Je ne pouvais pas m’empêcher de me demander s’ils pouvaient voir leur cousin enneigé à l’intérieur !

Contactez le studio ou consultez notre page de commandes pour en savoir plus sur la commande de votre propre sculpture animalière.

La Déclaration de Saint-Marin pour une architecture durable et inclusive reçoit les signatures de Norman Foster et Stefano Boeri

Tous les quelques mois, il semble qu’il y ait une éruption sur l’appropriation culturelle dans le monde littéraire. Les écrivains et les lecteurs qui partagent une identité contestent la représentation de leur communauté par un écrivain extérieur à leur communauté. D’autres écrivains, en particulier ceux qui ne font pas partie de cette communauté, prennent la défense de cet écrivain, décriant que leur liberté artistique est menacée par la censure culturelle. Un débat qui fait rage s’ensuit, avec des écrivains et des penseurs divisés entre ces points de vue. Rincer et répéter. L’appropriation culturelle est l’un des problèmes sociaux les plus difficiles dans l’arène littéraire et artistique au sens large et pour lequel il n’y a pas toujours de réponse simple et directe.

Quand j’étais plongé dans l’écriture de ma biographie, Chanson poignante : La vie et la musique de Lakshmi Shankar, j’ai remarqué à quel point le domaine de la biographie était terriblement peu diversifié, tant en termes d’auteurs que de sujets. Alors que le débat sur l’appropriation culturelle faisait rage, je me demandais comment cela était lié à l’écriture de biographies, d’histoires de la vie d’autrui. J’étais une femme amérindienne qui écrivait l’histoire de la vie d’une musicienne amérindienne. Qu’ai-je pensé des biographes blancs écrivant l’histoire de la vie de sujets marginalisés ? Qu’est-ce qui a été gagné et perdu par cela?

J’ai analysé mes réflexions sur cette question dans mon essai, “Qui peut écrire sur qui : examen de l’autorité, de l’authenticité et de l’appropriation dans la biographie.” Bien que je me sois concentré sur le domaine de la biographie, mon exploration s’applique largement à l’écriture non romanesque. J’ai observé que les questions d’autorité, d’authenticité et d’appropriation ne cessent de bouillonner dans le domaine littéraire en termes de “Qui est autorisé à raconter l’histoire de qui?” et la question plus spécifique « les écrivains non marginalisés devraient-ils écrire sur les personnes marginalisées ? » Comme je le note dans mon article, ces questions semblent particulièrement importantes pour la biographie, “un genre spécifiquement chargé de raconter les histoires vécues des autres”. Mais avant de répondre à ces questions, nous devons reconnaître le contexte de ces questions. Le domaine de la biographie a longtemps été biaisé en faveur des histoires de vie d’individus blancs, le plus souvent des figures de proue masculines blanches, racontées par des auteurs blancs, également le plus souvent des hommes. Ce contexte est significatif car, comme je l’affirme dans mon essai, il « aboutit à un renforcement de l’effacement culturel », qui à son tour impacte la façon dont l’histoire est racontée, dont les contributions sont créditées et celles qui sont laissées de côté.

Quand je suis venu à la question de savoir qui devrait écrire les histoires de vie des personnes marginalisées, j’ai réfléchi à mes propres expériences et observations en tant qu’écrivaine de couleur écrivant l’histoire de la vie d’une femme d’artiste de couleur négligée. Voici mes observations directrices :

• Premièrement, je crois qu’en théorie, presque tout le monde peut écrire sur presque n’importe qui d’autre.

• Deuxièmement, si le biographe ne partage pas les mêmes antécédents raciaux, culturels ou autres marginalisés que son sujet, il incombe au biographe de résoudre ce problème par le biais de recherches approfondies et immersives.

• Troisièmement, en plus, le biographe qui ne partage pas d’identité ou d’expérience avec son sujet doit également passer beaucoup de temps et d’énergie à réfléchir sur la façon dont sa propre identité est liée à celle de son sujet et à considérer comment elle façonne ou colore l’objectif à travers lequel il regarde. la vie de leur sujet. Cet élément, je crois, risque le plus d’être absent des biographies des biographes « extérieurs ».

• Enfin, même avec toutes les recherches et l’auto-réflexion, en fin de compte, un biographe qualifié qui partage la même identité ou les mêmes antécédents que le sujet sera en mesure de donner certaines idées qui ne sont pas disponibles pour le biographe qui ne partage pas ces attributs.

Les écrivains qui se croient objectifs et daltoniens ne le sont généralement pas, et comme Paisley Rekdal l’a incisivement noté dans Approprié : une provocationils ne sont pas “prêts à démêler le nœud gordien des réalités sociales, de l’histoire et de la fantaisie qui constituent un moi et ses idées associées de race, d’ethnie, de sexe, de sexualité ou même de capacité physique ou mentale”.

Certains dans le monde littéraire croient que les écrivains devraient garder l’identité – celle de leur sujet ainsi que la leur – hors de la portée de leur travail. Ceci est faussement présenté comme étant objectif, mais constitue plutôt une tentative d’atténuer le fait qu’ils ne partagent pas une identité, une communauté et des expériences avec leur sujet. Je ne vois pas comment un auteur peut sonder les profondeurs de l’histoire de la vie d’une personne sans aborder son identité, même dans des cas où le sujet ne s’est peut-être pas identifié publiquement à son identité, ce qui en soi révèle quelque chose à son sujet qui devrait être étudié dans le raconter l’histoire de leur vie. Tout aussi important, je ne crois pas qu’un auteur puisse vraiment transmettre l’histoire de la vie d’une personne sans réfléchir à la façon dont sa propre identité façonne son approche pour raconter cette histoire. Qui sont-ils par rapport à leur sujet ? Comment leurs identités respectives ont-elles façonné leur vie ? Comment leur identité affecte-t-elle la façon dont ils voient la vie de leur sujet, jugent leurs actions ? Il est crucial de réfléchir à la question de savoir s’il existe une dynamique de pouvoir en jeu qui a un impact sur la façon dont l’écrivain voit son sujet et la manière dont cela se reflète dans l’approche et l’écriture de l’histoire de sa vie.

Même si je crois que n’importe qui peut écrire sur n’importe qui d’autre, je crois aussi que les écrivains qui partagent une identité, une communauté et un ensemble d’expériences sont plus capables de comprendre les nuances et les traits spécifiques à cette culture et à cette communauté d’une manière que les étrangers ne peuvent pas. . Aucune quantité de recherche n’est garantie pour fournir à un écrivain extérieur l’accès à des éléments intangibles mais indélébiles, comme je le note dans ma dernière observation.

Lorsque vous écrivez la vie de personnes issues de milieux marginalisés, il est crucial qu’elles soient rendues de manière bien documentée, nuancée et pleinement incarnée, et qu’elle évite les stéréotypes. Cette sensibilité culturelle est une question de respect de l’identité culturelle mais aussi une question de savoir-faire rédactionnel. Lorsque vous pensez aux histoires les plus fascinantes que vous ayez lues sur des personnes, fictives ou non, ces personnages sont dynamiques car ils sont détaillés, pleinement incarnés et nuancés, non rendus à grands traits ou dépendants de stéréotypes fatigués (et éventuellement biaisés).

Plus l’écrivain est éloigné de la communauté sur laquelle il écrit, plus il doit faire de recherches, et ces recherches doivent être immersives. Cela signifie que l’écrivain doit interroger ses sources d’information. À quelles sources d’information font-ils principalement référence à propos de cette communauté ? Sont-ils de l’intérieur ou de l’extérieur de cette communauté ? Et dans la vision de l’écrivain pour son article, à quelle fréquence les voix de la communauté seront-elles entendues ? Est-il important de reconnaître qu’il peut y avoir plusieurs points de vue au sein de cette communauté ?

Les écrivains qui écrivent sur un sujet ou une communauté en dehors de leur identité ou de leur expérience devraient envisager de faire lire leur travail à une personne de cette communauté qui connaît le sujet pour s’assurer que leur rendu de la communauté est précis et culturellement sensible. De manière informelle, les écrivains qui se connaissent déjà professionnellement et personnellement pourraient faire ce travail comme une faveur ou en échange d’autres tâches. Cependant, cela a engendré une tendance chez les écrivains à supposer que les écrivains des communautés marginalisées le feront gratuitement, au lieu de reconnaître qu’il s’agit en fait de travail et qu’il devrait être rémunéré.

En réponse à la reconnaissance croissante de l’importance de la sensibilité culturelle, des ressources formelles et des réseaux de lecteurs sensibles à la culture se sont développés. Guide de style conscient est une ressource en ligne offrant des conseils sur une multitude de questions stylistiques autour de l’identité et d’autres domaines. Deux réseaux de lecteurs de sensibilité, dont Ecrire diversement et Écrire avec la couleur, répertorie les lecteurs de sensibilité selon leurs domaines d’expertise et les services proposés. D’autres ressources utiles incluent Les personnes de couleur dans l’édition, Éditeurs de la base de données de couleurset Éditeurs et correcteurs noirs.

En vérité, même lorsque les écrivains partagent une expérience similaire à leur sujet, il est toujours important de sonder les hypothèses qui façonnent leur approche de l’écriture sur leur sujet, car aucune identité ou communauté n’est monolithique. Par exemple, dans la diaspora sud-asiatique, la caste exerce une forte influence même si elle passe souvent inaperçue. Par conséquent, un écrivain sud-asiatique devrait considérer comment la caste peut être en jeu dans la dynamique d’une communauté sud-asiatique qu’il couvre et il devrait réfléchir à la façon dont sa propre compréhension et son expérience de la caste influencent ses perceptions et ses interactions avec son sujet. Pendant ce temps, lorsqu’un écrivain noir écrit sur un sujet noir, des questions telles que la classe ou l’éducation peuvent influencer son point de vue. De même, les journalistes immigrés doivent être conscients des tendances de certains dans les médias et dans leurs propres communautés à présenter de manière préjudiciable les immigrés avec papiers comme bons et méritants et les immigrés sans papiers comme criminels et indignes.

Bien que l’insensibilité culturelle et l’appropriation culturelle soient des questions lourdes et compliquées et que la perspective de les éviter puisse sembler intimidante aux écrivains, nous espérons que ce chapitre offre une gamme d’idées et de conseils. Un aspect clé pour éviter l’insensibilité et l’appropriation culturelles est de faire des choix conscients et éclairés sur la façon de représenter nos sujets, surtout si nous ne partageons pas une identité ou une communauté avec eux. Et bien qu’il n’y ait aucune garantie que chaque lecteur acceptera ces choix comme culturellement sensibles, il y a quelque chose à dire pour prendre le problème à bras le corps, comme nous le ferions pour tout autre aspect de l’artisanat, démontrant ainsi que l’humanité des autres prime sur notre désir d’une liberté artistique sans entraves.

Extrait et adapté de Artisanat et conscience : comment écrire sur des questions sociales par Kavita Das, publié par Beacon Press.

En se promenant dans Lost Lands et en écoutant les ravers du festival, une chose était claire et nette : il est devenu méconnaissable de la meilleure des manières.

Terrains de festival Lost Lands nouveaux et améliorés

C’était stupéfiant de voir ce que les organisateurs de Lost Lands ont fait avec le terrain du festival année après année. En tant que personne qui a assisté aux trois premières années de Lost Lands et qui n’est pas revenue depuis le début de COVID-19, l’événement était presque méconnaissable.

Cela a été immédiatement mis en évidence à partir du moment où vous sortez de la rue et marchez jusqu’à la porte d’entrée. Avant d’entrer officiellement sur le terrain, les participants traversent un couloir parsemé de dinosaures grandeur nature, d’œufs de dinosaures dans lesquels vous pouvez grimper, de cascades qui coulent, de volcans qui s’illuminent la nuit et plus encore. Tout cela a servi de séance photo interactive pour que les amis, les couples et les équipes du festival se rencontrent et créent des souvenirs.